La idea de capturar, crear y reproducir el movimiento por medios mecánicos es muy antigua, la historia del cine como espectáculo comenzó en París, Francia, en 1895. Los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo: este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento; La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895, en París, y consistió en una serie de imágenes documentales, donde aparecen los trabajadores de una fábrica y un tren que parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante estas imágenes las personas reaccionaron con un instintivo pavor, creyendo que el tren los atropellaría. La función de las primeras "películas" era mayormente documental, con el agregado del movimiento. Tiempo después lograron el primer film argumental de la historia: El regador regado.
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Alice Guy-Blaché, primera directora de cine |
En 1896 presenta su primer película narrativa, El hada de los colores, en donde combinó las imágenes en movimiento con el arte teatral. Luego de unos años, en 1906 rodó La vida de cristo (utilizando el cronófono). Cuando se independizó de la compañia Gaumont construyó uno de los estudios cinematográficos mejor equipados de la historia. Se la considera como la primera narradora de cine, además de ser la fundadora del cine como narración cultural, los efectos especiales y la ficción, fue la primera en poner tintura a sus películas para que se vieran en color. Fue también pionera al utilizar técnicas de máscara de doble expresión y secuencias en retroceso. Aquí les dejo una muestra de su trabajo, Madame a des envies de 1906:
Como ven, los hombres crearon la técnica, pero las mujeres la perfeccionamos imprimiendo en ella una nueva visión. El cine no solo es dirigido por hombres, existen grandes directoras, algunas de las más conocidas son Sarah Polley, Sofía Coppola, Kathryn Bigelow, Deepa Mehta, Sally Potter, Claire Denis, Agnès Varda, Leni Riefenstahl, Ida Lupino, Penny Marshall, Jane Campion, Barbra Streisand, Isabel Coixet, Ana Mariscal, Helena Cortesina (primera directora de cine en España), Rosario Pi, Julie Dash, Lois Weber (actriz y directora del primer largometraje en 1914, El mercader de Venecia), Andrea Arnold, Catherine Breillat, Chantal Akerman, Agnieszka Holland, Nora Ephron, Lesli Linka Glatter, Dorothy Arzner, Lisa Cholodenko, Jacqueline Audry, Claire Denis, Jennifer Chambers Lynch, Liliana Cavani, mexicanas: Natalia Beristain, Elisa Miller, Mariana Chenillo , Claudia Saint–Luce, Yulene Olaizola, Kenya Márquez, Lucía Carreras, Victoria Franco, Andrea Martínez Crowther, Paula Markovitch (Argentina pero nacionalizada), como ven no son pocas y seguramente faltan muchas, pero la intención es mostrar un poco de sus trabajos, en especial Liliana Cavani e Ida Lupino con las que estoy más familiarizada, pero poco a poco ire mostrando la perspectiva de la mayoria de ellas.
Pero comencemos con :
Nació el 12 de enero de 1936 en Carpi, cerca de Módena, provincia de Emilia-Romaña, en el seno de una familia de clase trabajadora.
La madre de Liliana provenía de una familia de clase trabajadora de antifascistas militantes. Su abuelo materno, un sindicalista, le presentó las obras de Engels, Marx y Bakunin.
Su padre, un arquitecto de Mantua, perteneció a una familia conservadora de terratenientes. "Mi padre era un arquitecto interesado en el desarrollo urbano. Me llevó a museos. Había trabajado en la planificación urbana en Bagdad en 1956, cuando Irak todavía estaba bajo control británico. Mi madre era muy fuerte, muy capaz, y muy dulce".
Su progenitora era una apasionada de las películas y la llevó al cine todos los domingos desde una edad temprana.
Cursó estudios de Filología clásica y Linguística en la universidad de Bolonia. Se graduó en literatura y filología en 1960. Diplomada por en el Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma. Estudió cine documental y obtuvo su diploma con la cortometrajes Incontro notturno (1961), y L'evento (1962).
Trabajó en la RAI, de 1962 a 1965, realizando documentales. Su primer largometraje fue Francesco d'Assisi (1966). Posteriormente realiza Galileo, película italo-búlgara, que provocó reacciones en medios eclesiásticos (1969). Los caníbales [I cannibali], 1969 y Milarepa [id.], 1974) también fueron motivo de escándalo.
Muy interesada en diversos aspectos de la Segunda Guerra Mundial, en Portero de noche (Il portiere di notte 1974) explota el nazismo y el sadomasoquismo; La piel (La pelle, 1981) se basa en la novela del mismo título de Curzio Malaparte. También realizó L'ospite (1971) con Lucía Bosé, Más allá del bien y del mal (Al di la del bene e del male, 1977) sobre las relaciones de Nietzsche y de Lou Andreas Salomé, Detrás de la puerta (Oltre la porta, 1982) y Berlín interior (Interno berlinesse, IT-RFA, 1985). En 2002, la realizadora recreó el personaje de "Tom Ripley", creado por la escritora Patricia Highsmith, con la ayuda de su protagonista, el actor estadounidense John Malkovich.
Además realizó óperas como La Traviata de Giuseppe Verdi o Manon Lescaut de Giacomo Puccini entre otras.
Poco tiempo después, y ya entrando en la década de los 40, Ida comenzó a interpretar papeles en películas de género de cine negro, junto a Humphrey Bogart.
Durante este período Lupino se hizo conocida por sus duros papeles, y ella empezó a describirse como la Bette Davis de "los hombres pobres."
A finales de la década de los 40, Ida, deja la Warner Bros., y pasa a ser una actriz autónoma, escogiendo ella misma los papeles que le interesaban.
Su primera dirección llegó en 1949, de forma accidental, cuando Elmer Clifton sufrió un ataque cardiaco y no pudo finalizar Not Wanted, film que dirigía para Filmways, la compañía fundada por Lupino y su marido, Collier Young, para rodar películas de bajo presupuesto. Lupino finalizó el film.
Ida, a partir de ese momento, se convertiría directora de películas, aprovechando esto para rodar películas de corte reivindicativo y de problemas sociales en relación a la mujer.
Sus siguientes películas como directora serian, Outrage, en el año 1950, y después “The Hitch-Hiker”, de género de cine negro.
También en la década de los 60, rodó un episodio de la dimensión desconocida, que se llamó “La Máscara”.
Durante las décadas de los 50, 60 y 70 Ida consiguió un contrato en la televisión para producir episodios de Alfred Hitchcock Presents., Have Gun Will Travel, The Investigators, The Twilight Zone, Los Intocables, Bewitched o El fugitivo, entre otras.
Poco tiempo después participaría en algún programa de televisión como artista invitada.
Ida Lupino murió el día 3 de agosto de 1995 en California a consecuencia de un cáncer de colon.
Kathryn Bigelow está considerada como una directora atípica, pues sus temas de interés pertenecen al cine de acción, bien sea bélico, futurista, thriller e, incluso, de terror. Sus películas no siempre han tenido el beneplácito de la crítica.
Bigelow obtuvo reconocimiento en 1987 con el filme de terror Neared Darkess (Los Viajeros de la Noche). Después, en 1991 dirige Point Break (Le llaman Bodhi) protagonizada por Patrick Swayze y Keanu Reeves, con la que tuvo éxito tanto de crítica como de público.
Entre 1995 y 2002, Kathryn Bigelow realizó tres películas: Días extraños, El peso del agua y K-19 , en donde dirigió a algunos de los actores más importantes de Hollywood, como Harrison Ford, Sean Penn, Juliette Lewis, Liam Neeson y Ralph Fiennes.
Estuvo casada con James Cameron desde 1989 hasta 1991, y con él formó pareja artística en varias películas.
Ganó el premio Óscar a la mejor directora en 2010 por The Hurt Locker, siendo la primera mujer (y única hasta el momento) en ganar en este género. El filme también se llevó el Oscar como mejor película.
La directora, guionista, productora, actriz y diseñadora de vestuario estadounidense Sofia Coppola es hija del director Francis Ford Coppola y de Eleanor Coppola. Su abuelo es el compositor Carmine Coppola, su primo el actor Nicolas Cage y su tía la actriz Talia Shire. Tiene tres hermanos llamados Mary, Gian-Carlo y Roman.
Nació en Manhattan. Desde niña se vio inmersa en la industria cinematográfica, apareciendo en una película por primera vez como bebé en “El Padrino” (1972), título dirigido por su padre.
Años después, en ocasiones acreditada como Domino, intervino en otros films de Francis Ford Coppola como “El Padrino II” (1974), “Rebeldes” (1983), “La Ley De La Calle” (1983), “Cotton Club” (1984) o “Peggy Sue Se Casó” (1986).
También formó parte del reparto del corto dirigido por Tim Burton “Frankenweenie” (1984).
En el año 1989 escribió su primer guión colaborando con su padre en el texto de un episodio de la película “Historias De Nueva York”. También se ocupó de diseñar el vestuario, tarea que realizó también para “El Espíritu Del 76” (1990), comedia retro escrita por su hermano Roman, dirigida por Lucas Reiner y protagonizada por David Cassidy y Olivia D’Abo.
La película, que recreaba la década de los 70 con humor, también incluía en su reparto a los hermanos Jeff y Steve McDonald, líderes del grupo de rock Redd Kross e íntimos amigos de Roman y de Sofia, quien apareció desnuda en la portada de uno de sus LPs, “Third Eye”.
En el año 1990 intervino con un papel importante en “El Padrino III” (1990), recibiendo buenas críticas por su interpretación como Mary Corleone.
En 1998 debutó como directora al estrenar el corto “Lick The Star”.
Con “Las Vírgenes Suicidas” (2000), agridulce fabulación sobre el destino de un grupo de hermanas, reveló su talento para la creación atmosférica y la indagación psicológica en ambientes de carácter lastimero, confirmado con su segundo film, “Lost In Translation” (2003), una película protagonizada por Bill Murray y Scarlett Johansson que le valió un Globo de Oro al mejor guión y a la mejor película de comedia. También en el año 2003 Sofia creó y produjo la serie de televisión “Platinum”, centrada en dos hermanos que poseen un sello discográfico de hip-hop.
Con la nominación como mejor directora por “Lost In Translation”, Sofia fue la tercera mujer (y la primera estadounidense) en la historia del cine en ser nominada en esta categoría al premio Oscar. No tuvo la fortuna de conseguir el galardón (que fue a parar a manos de Peter Jackson), pero logró un Oscar al mejor guión original.
“María Antonieta” (2006) contó con el protagonismo de Kirsten Dunst.
En “Somewhere” (2010) centró su historia en un actor interpretado por Stephen Dorff.
Con “The Bling Ring” (2013) creó una sátira criminal sobre la obsesión por la fama.
Su último proyecto es “The Beguiled” (2017).
En el año 2011 se casó con Thomas Mars, el cantante del grupo Phoenix, con quien ha tenido dos hijas, Romy, nacida en el año 2006, y Cosima en el año 2010.
Sus películas, documentales y vídeo-instalaciones guardan todas un carácter realista y social. Toda su obra presenta un estilo experimental distintivo. En 1985 con la película Sans toit ni loi (Sin techo ni ley) obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia y su biografía documentada en Las playas de Agnès el Premio César en 2009.
Es la viuda del realizador Jacques Demy y fue condecorada con la Legión de Honor. Ha merecido el Premio René Clair de la Academia francesa, el Prix Henri-Langlois y el Premio Mayahuel de Plata entre otros.
Agnès Varda nació con el nombre de Arlette Varda en Bruselas, Bélgica, en el seno de una familia de padre griego y madre francesa. Su padre pertenecía a una familia de refugiados griegos de Asia Menor.
Varda estudió Historia del Arte en la École du Louvre antes de conseguir un trabajo como fotógrafa oficial del Teatro Nacional Popular ó Théâtre National Populaire (TNP) de París. Le gustaba la fotografía, pero estaba más interesada en el cine. Después de pasar unos días grabando la pequeña ciudad pesquera francesa de Sète, en el barrio «La Pointe Courte», para un amigo con una enfermedad terminal que no podría visitarla por sí solo, Varda decidió hacer una película. De este modo aparece en 1954 su primera película, La Pointe Courte, que narraba la historia de una triste pareja y su relación en la pequeña ciudad. La película es la precursora estilística de la Nouvelle vague francesa.
Más tarde se la encuadrará definitivamente en este género, asemejándosela así a autores como Chris Marker, Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet, Jean Cayrol y Henri Colpi. Este grupo estaba fuertemente ligado al Nouveau roman, estilo literario que estaba posicionado políticamente en la izquierda.
Varda estuvo casada con el director Jacques Demy desde 1962 hasta su muerte en 1990, en su película Jacquot de Nantes (1991) ella traza un relato de la infancia de Demy, y su duradero amor por el teatro y el cine. Varda le rindió homenaje también en Les Demoiselles ont eu 25 ans (1993) y L'Univers de Jacques Demy (1995). Hijo de ambos es el actor Mathieu Demy nacido en 1972. La directora también es la madre de la vestuarista Rosalie Varda, hija del anterior matrimonio con Antoine Boursellier.
Después de Funny Girl, la artista protagonizó la versión cinematográfica del musical Hello, Dolly! (1969), dirigida por Gene Kelly, con gran reconocimiento por parte de la crítica. En 1970 protagonizó dos películas: el musical On a Clear Day You Can See Forever, dirigida por Vincente Minnelli; y la comedia The Owl and the Pussycat, película basada en la obra teatral del mismo nombre. Por esta última película Streisand fue nominada al Globo de Oro como mejor actriz de comedia o musical.
En 1983 produjo, dirigió, escribió y protagonizó "Yentl", experiencia que posteriormente repetiría en "El príncipe de las mareas" (The Prince of Tides, 1991) y "El amor tiene dos caras" (The Mirror Has Two Faces, 1996). Steven Spielberg calificó "Yentl" de obra maestra ("uno de los debuts más dinámicos en la dirección desde el "Ciudadano Kane" de Welles") y muchos críticos alabaron la película, pero la Academia ignoró a la nueva directora a la hora de las candidaturas a los premios Óscar más importantes (fue nominada a 5 premios menores, ganando solamente el de Mejor Banda Sonora).
Años después, se produjo una gran controversia cuando "El príncipe de las mareas" obtuvo siete candidaturas para varias categorías, incluida la de mejor película y, sin embargo, Streisand no fue nominada como mejor directora. Algunas opiniones lo achacaron a su bien conocido temperamento duro e intransigente, mientras otros pensaban que Hollywood la castigaba por ser mujer, ya que de haber sido hombre, incluso con el mismo temperamento, se lo hubieran concedido.
Barwood Films ha producido también varios dramas para la televisión. El primero de ellos, "Serving In Silence: The Margarethe Cammermeyer Story", fue galardonado con tres premios Emmy en 1995.
Campion recibió clases en la Australian Film Television and Radio School. En ella recibió el conocimiento que le ha permitido tener una carrera cinematográfica en la que ha dirigido 14 películas, ha producido tres y ha escrito ocho.
Su primer cortometraje, Peel (1982) ganó la Palma de Oro al mejor cortometraje en el Festival de Cannes de 1986. A este corto, le siguieron otros como Passionless Moments (1983) y Girls Own Story (1984). Sweetie (1989) fue su largometraje de debut y ganó varios premios internacionales. Más reconocimientos llegaron con su película An Angel at My Table (1990), una autobiografía dramatizada de la poetisa Janet Frame.
El reconocimiento internacional le llegó con su película El Piano (1993). Con esta película, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1993, el premio al mejor director del Australian Film Institute y el Óscar al mejor guion original en 1994.
Fue la segunda directora nominada al Óscar a la mejor dirección en la historia de la Academia y la primera y única en haber ganado la Palma de Oro de Cannes.
El trabajo de Campion ha tratado desde entonces de motivar la opinión del público. En 1996 dirigió la cinta Retrato de una dama, basada en la novela de Henry James, y protagonizada por Nicole Kidman, John Malkovich, Barbara Hershey y Martin Donovan. Holy Smoke (1999) volvió a unir a Campión con Harvey Keitel, esta vez con el protagonismo femenino de Kate Winslet. In the Cut (2003), thriller erótico basado en el bestseller de la escritora Susanna Moore, proporcionó a Meg Ryan la oportunidad de desencasillarse de los papeles de cine familiar.
Campion fue la productora ejecutiva de documental Abduction: The Megumi Yokota Story (2006).
En 2009, estrenó Bright Star, una película que supone su regreso al romanticismo al más puro estilo de El Piano. En ella cuenta la historia de amor de los poetas John Keats y Fanny Brawne.
Estudió Artes Audiovisuales en la Universidad de Guadalajara, de donde egresó en 2004.
Trabajó como asistente de producción en anuncios televisivos y en series como Capadocia y Terminales y en las películas Te extraño y Te presento a Laura. Entre 2005 y 2008 trabajó en los cortometrajes Muerte anunciada (2005) y El milagrito de San Jacinto (2007).
Con su cortometraje Muerte anunciada ganó el Premio del Público y el Rally Malayerba del Festival Internacional Expresión en Corto de Guanajuato. El guión de su ópera prima, Los insólitos peces gato, ganó en el Laboratorio de Guiones de Bertha Navarro 2011. Los insólitos peces gato (2013) formo parte de la Selección Oficial del 12º FICM y participó en diversos festivales internacionales como el Festival Internacional de Cine de Toronto, el Festival Internacional de Cine de San Francisco, y el Festival Internacional de Cine de Locarno, donde recibió el Premio del Jurado Joven a Mejor Película. Su nueva producción se llama La caja vacía (2016), que trata sobre el tema de la familia rota que busca recomposición.
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